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Quadri moderni: i miei maestri

L'artista per sua fortuna non parte mai da zero. Prima di lui ci sono stati altri artisti e prima di loro altri ancora. Chi fa arte senza essersi mai interessato agli artisti che lo hanno preceduto forse non capisce che l'arte è un percorso continuo e non discreto. E come chi è ossessionato dall'idea di fare “qualcosa di nuovo” difficilmente poi riesce ad essere all'avanguardia o quantomeno a dare risposte soddisfacenti ai problemi che l'arte visiva del suo tempo gli pone. Qui non voglio ovviamente fare una storia dell'arte, mi fa solo piacere ricordare gli artisti e i quadri che più hanno influenzato la mia crescita come artista e di questi raccontare brevemente cosa mi ha più colpito.

Chagall è stato sicuramente uno dei miei punti di riferimento quando ho iniziato a dipingere. I suoi quadri sono moderni perché riescono a costruire nuovi equilibri di cose conosciute, e riescono a farlo al tempo stesso sia dal punto di vista cromatico che da quello formale. Un violinista col viso di un colore tra il verde pino scuro e il blu e con una mano sinistra che esprime il concetto di impugnatura dello strumento è un violinista che ri-conosciamo pur senza averlo mai visto, perché l'opera ci restituisce ciò che conosciamo del musicista in una versione nuova alla nostra esperienza visiva.

L'espressionismo tedesco è stato un altro punto di riferimento nei miei primi anni da pittore, Kirchner soprattutto per l'uso del colore. Sono anni della produzione artistica mondiale che veramente possiamo definire moderni, perché le componenti di ogni quadro stravolgono l'idea di bello ma conservano un rigore che nasce anche dalla sofferenza degli artisti nel tentativo di mantenere la coerenza del loro ruolo in un mondo travagliato da avvenimenti sociali devastanti. E tutti i punti di riferimento a cui l'uomo era abituato cambiano anche nella costruzione artistica. I due gialli di sfondo di questo quadro mi hanno sempre affascinato, in questo lavoro trovo come un percorso comune con certe tele di Matisse, soprattutto nelle zone dove il colore viene dato puro. La verticale nera e il fiocco bianco riescono a dare a tutto l'insieme i parametri di riferimento per dare un senso a tutti gli altri colori. E questo è forse uno dei grandi insegnamenti dell'Espressionismo, sia quello figurativo che il successivo espressionismo astratto.

Ecco che torna in questo dipinto di Matisse la grande lezione degli espressionisti: le punte di bianco e di nero che danno un senso agli altri colori, li fanno accettare nei posti più inconsueti e li organizzano negli spazi più imprevedibili. Il verde sul naso, il blu dei capelli, il giallo sul viso, acquistano senso perché hanno i punti estremi del bianco e del nero come riferimenti, e non solo siamo costrtti ad accettarli come reali, ma addirittura diventano nel quadro più reali di un qualsiasi incarnato o biondo o castano.

Di Chaim Soutine ho sempre ammirato il rosso. I suoi rossi sono i tra i rossi più belli che la storia dell'arte moderna ci abbia mai regalato. Carichi, mai piatti, con un'anima di nero e incurante di rispettare i loro stessi confini questi rossi trasmettono il tormento di un'epoca tra due guerre e infinite persecuzioni. La pennellata ricorda le comuni origini con Chagall, ma dell'evasione onirica non rimane niente, indirizzata come è al disfacimento delle forme.

Modigliani è secondo me la dimostrazione pura di come l'arte moderna occidentale non sia un discorso indipendente dalle ricerche fatte in passato da artisti di altre parti del mondo. I ritratti di Modigliani, ma soprattutto le statue, hanno risentito abbondantemente della forte impressione che sugli artisti nella Parigi della prima metà del secolo scorso ebbero le loro visite ai musei dove trovarono esposte le opere d'arte africane. Se osserviamo certe maschere dell'Africa subsahariana e le confrontiamo con le statue di Modigliani o con i suoi ritratti, ma anche con quadri di Picasso (penso alle Demoiselles d'Avignon) ci possiamo rendere conto di come l'idea di “nuovo” nell'arte sia un finto problema.

Se nella storia dell'arte volessimo proprio dare una data di inizio alla produzione di quadri moderni dovremmo secondo me prendere in considerazione la produzione artistica di Cézanne come punto di riferimento, Cézanne ma anche Van Gogh e Gaugain. Tre artisti accomunati dal rigore della ricerca, dei modelli di come l'artista dovrebbe affrontare il suo lavoro e i problemi che l'arte visiva pone. Con Cézanne finalmente l'arte assorbe la lezione degli impressionisti superando però il disordine che l'impressionismo aveva portato per liberare gli artisti dalla produzione accademica. La ricerca di Cézanne porta un nuovo ordine nell'arte e conduce l'artista a liberarsi dalla riproduzione “fotografica” del mondo reale, lo porta alla libertà di piegare i suoi soggetti alle necessità di un ordine formale da lui convintamente scelto. La base del piatto che contiene la frutta in questo quadro è un esempio della rivoluzione moderna di Cézanne: una base decentrata e un piatto sbilanciato verso il bordo del quadro sono l'affermazione convinta che oltre al “reale” esterno all'artista esiste una costruzione che l'artista fa a partire dalla sua percezione, e se questa costruzione ha necessità di sacrificare il soggetto dipinto per una interpretazione di ordine ed equilibrio deciso dall'artista, questo è possibile e legittimo farlo. E questa lettura moderna del mondo porta gli artisti successivi a introdurre nelle loro opere la possibilità di inserire altre dimensioni, prima tra tutte la dimensione “tempo”, introdotta dai grandi artisti della successiva ricerca cubista.

Van Gogh, il secondo dei precursori di un nuovo modo di fare arte, non riuscì a mettere tutto il bianco che avrebbe voluto in questo dipinto, e si raccomandò che almeno la cornice fosse bianca. Anche lui piegò il soggetto alle moderne necessità espressive, partendo dall'impressionismo ma superandone il senso della pennellata e da lui partirono gli espressionisti tedeschi per affermare il principio che il pennello può essere sì usato per rompere il colore come lo voleva l'accademia prima degli impressionisti, ma in questa rottura deve fissare i sentimenti dell'artista e non solo i colori della natura. Da Van Gogh ho trovato conferma che guardare il mondo con gli occhi socchiusi e facendo filtrare il minimo di luce possibile, ci porta a scoprire nuove strutture. La lettura delle sue lettere a Theo è forse una delle testimonianze più struggenti di come possa essere difficile la carriera dell'artista quando l'ambizione non è la fama ma la soluzione rigorosa dei problemi che fare arte pone.

In Gauguin abbiamo la liberazione dell'arte visiva dalla schiavitù dell'ombra. Il colore acquista un nuovo senso perché riempie da protagonista le sue forme incurante degli obblighi dati dalla prospettiva. La sua forza è la semplicità, le sue opere più che armonie sono melodie di colore e il ritorno alla semplicità delle forme e alla loro sintesi rappresenta secondo me il percorso di liberazione dal superfluo raggiunto solo dai grandi artisti.

Chiunque e in qualsiasi modo faccia arte, non può non fare i conti con Picasso. Un artista che ha attraversato l'arte moderna in ogni direzione: dai suoi rapporti con la tradizione spagnola alle ricerche sull'arte africana, dalle estreme conseguenze della lezione di Cézanne al surrealismo, un artista che nei suoi quadri in ogni direzione intrapresa ha lasciato il segno. Per me è sempre stato un punto di riferimento, perché i problemi che si è posto li ha affrontati senza vincoli e senza il pudore che la falsa coerenza con un unico stile porta con sè: solo così si arrivano a trovare le soluzioni migliori e più convincenti nella produzione artistica. Per anni ho studiato il suo cubismo che non è stato mai chiuso in se stesso come quello dei suoi contemporanei. Ho cercato di capirlo anche quando ho iniziato a dedicarmi all'arte digitale, perché le soluzioni proposte da Picasso sono uno dei pochi modi che la storia dell'arte occidentale abbia trovato per inserire il tempo come dimensione fondante degli equilibri compositivi.

Da Mirò ho imparato che in un quadro non è necessario dire tutto, ma quello che vuoi dire, se vuoi essere capito, puoi dirlo con parole semplici. Le frasi di Mirò sono semplici, ma non c'è mai una parola superflua, alcune opere sono una sintesi perfetta di quello che è possibile in pittura. La precisione che mette nella sua pittura mi ricorda certi ideogrammi di scrittura zen per quanto sono precisi formalmente e densi di significato: ogni sua pennellata è là ed è perfetta, non poteva essere fatta diversamente, è l'espressione pura di un processo di sintesi che irride qualsiasi prolissità.

Klee mi ha insegnato, tra le altre cose, che il supporto su cui si lavora è importante tanto quanto il colore che si usa, e questo insegnamento me lo porto dietro anche nella produzione di arte digitale. I suoi esperimenti su carta di giornale, juta, tela, e su tutti i tipi di cartone ci fanno capire che il processo complessivo di percezione di un'opera è dato da tanti fattori anche apparentemente ininfluenti. La trama, la texture, la materia su cui si stende il colore diventa parte integrante di ciò che del quadro alla fine riusciamo a leggere.

Ci sono tanti modi per provocare in arte, ma alcuni lasciano un segno molto più profondo di altri. Forse è Grosz l'artista che più tengo presente quando voglio pensare all'arte come provocazione e strumento di rottura delle convenzioni. Molto più di suoi colleghi Dada secondo me Grosz riesce a fare una critica moderna alla società nella quale visse. I suoi disegni e i suoi quadri sono una collezione di irriverenza e di critica all'ottusità di certa borghesia sposata agli apparati militari, istituzioni marce che insieme portarono lutti e tragendie nel nostro continente. E' quello di più profondo che può uscire da un artista quando vive in prima persona le tragedie del suo tempo e decide di schierarsi.

Con Heartfield sono entrato in contatto negli anni in cui iniziavo a lavorare utilizzando fotografie e scarti di stampe fotografiche. Non a caso era un amico di Grosz, la sua è un'arte moderna non solo per l'uso di nuovi mezzi, che da soli non bastano mai all'artista che segue una ricerca non superficiale, ma per essere riuscito a piegarli e trasformarli per rispondere alle stesse domande che si ponevano molti suoi contemporanei: non c'è un suo fotomontaggio che per quanto “politico” non risponda anche alla domanda di equilibrio nella composizione.

Burri è uno degli artisti del Novecento che, da quando ho iniziato a dedicarmi all’arte digitale, mi mette più in crisi quando guardo le sue opere. Il suo magistrale uso della materia per la costruzione di opere modernamente stupende dal punto di vista della composizione denuda il grande limite delle opere d’arte digitale: l’assenza di materia come protagonista. Questa assenza è la sofferenza maggiore per un artista digitale che ha iniziato con i pennelli, perché il rapporto che si crea con la propria opera quando si mette mano alla materia è naturalmente più profondo di quello che si crea col digitale, di sua natura più intellettuale come piacere e meno fisico. Si può ovviare a questo limite con interventi pittorici sulla stampa, o con composizioni come gli “imbullonati”, una serie di opere che ho realizzato combinando tecniche tradizionali con tecniche digitali, ma fino ad oggi il piacere fisico che dà all'artista un'opera materica è compensato solo in parte dal piacere intellettuale dato da un quadro digitale.

Rauschenberg è uno degli artisti della Pop Art che mi piacciono di più. Riesce nei suoi lavori a combinare in maniera coerente i diversi materiali e le diverse tecniche, mettendo sempre a frutto le lezioni sia dell'espressionismo astratto che di alcuni Dada ma senza mai cercare la provocazione fine a se stessa. E' moderno perché esplora sempre nuovi territori dell'espressione senza gettare via nulla degli insegnamenti preziosi dei grandi artisti a lui precedenti. E' il suo linguaggio a essere moderno.

Ovviamente avrei molti altri artisti da citare se penso ai quadri e le fotografie che mi hanno formato: Tina Modotti, Man Ray, Osvaldo Licini, Giacomelli, Wahrol, Kleine, Scialoja. Ma per il momento mi fermo qua...